アコギ コード。 ギター弾き語りのコツ! メリハリとアコギらしい奏法【TAB譜あり】

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ギター初心者の方に向けて、バレーコードをキレイに鳴らすコツや、弾けるようになった頃の実話を書きました。 人差し指の位置などを参考に練習してみてください。 ギター初心者がバレーコードを鳴らせないのは当然です。 毎日コツコツ練習していきましょう。 ギターでFコードを押さえるコツ• 硬くなった部分を上手く使う• 第1関節の位置をずらす 人によるかもしれませんが、筆者の場合は第2関節の辺りが一皮むけて硬くなりました。 そこをズラして押さえるのがポイント。 硬くなった第2関節を1、2弦に当てて、それに合わせるように6弦を押えれば、軽い力で押さえられるかと思います。 手の大きさは人によるので一概には言えませんが、どのバレーコードもこんな理屈で押さえると意外と簡単です。 個人的にBm7が難しい Fコードは人差し指の中間を浮かせても良いので、押さえやすい部類だと思うんですよね。 個人的に難しいのはBm7(ビーマイナーセブン)です。 コードを省略して押さえる知識を得て、マイナーセブンスやセブンスコードを基本とは違う形で弾くことが増えてきました。 特に6弦ルートのマイナーセブンスは、みんな(ギターの上手い人たちは)この押さえ方でやってるし、この形で覚えた方が良かったりするんですよ。 どのみちギター初心者さんには難しいかもしれませんが、参考にしてください。 カポをつけてバレーコードを弾いてみよう アコギの1フレット付近は押さえる力が必要で大変ですよね。 カポを3フレット辺りに付けて練習すると押さえやすくて良いかもしれません。 よく使う道具なのでお持ちでなければで揃えましょう。 お問い合わせも丁寧な大手通販サイトですよ。 特別な練習をしたワケでもなく、キレイに鳴らなくても他のコードと同じように押さえていたら弾けるようになったんですよね。 コードチェンジが上達した頃には人差し指の側面がむけ、そして皮が厚く(硬く)なると軽い力で押さえられるようになった記憶があります。 Fコードが弾けないからといって立ち止まってはいけません。 実体験からいえるのは、鳴らなくても他のコードを練習してれば自然と弾けるようになるということです。

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アコギを弾く時のコードとエレキのパワーコードは何が違うんで...

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 ギター初心者の最初の難関、それは。。。 『F の押さえ方』 でもなぜ、数あるバレーコードの中から Fコードなのでしょう? それは他のバレーコードと比べても格段に押さえにくいから…。 僕がFを押さえられるようになるまでの体験を順を追って紹介します。 少しは参考になるかな? とりあえず、さけて通る! 日本の音楽教育には「ハ長調神話」があるように思います。 確かに一見一番優しいキーの様に見えますが、ことギターに限ってはあの恐ろしいFコードの出てくる、厄介なキーなのです。 僕はギターをはじめた頃、バレーコードのほとんど出てこない、キーGの曲ばかり選んで弾いていました。 どうしてもCの楽譜しかない時は、一晩かかってGに移調したりもしました。 (その方が難しい?) キーGの中にもバレーコードがないわけではありません(BmもしくはBm7)。 これが出てきた時は音の似ているDや名前の似ているB7でごまかしていました。 (当時はうしろめたさもありましたが、音楽的にもあながち間違いでないことを知ったのはずいぶん後のことです。 ) 今になって思えば、当時Gに固執していたことは役に立ってます。 簡単な曲ならすぐGに移調できますし、一つのキーを理解することで音楽の全体像への理解につながっているような…(ちょっとオーバーかな。 ) 省略フォームと出会う! Bmの時の要領でFのかわりにDm7(1、2弦バレーですがそれほど難しくない)を使うようになって(これもあながち間違いではない。 )ほどなく、ある歌本のダイアグラムに次のような表記があるではありませんか。 『F省略フォーム』 それまで少し後ろめたく使っていたDm7と非常に似た形をしたそれは、比較的簡単にマスターできました。 今もこの省略形に6弦1フレを親指で押さえるフォームが僕の定番になっています。 F親指追加フォーム 省略フォームは邪道と考える方もいらっしゃいますが、初心者が投げ出さずにギターを続けるためには合理的な選択肢だと思います。 当時は思いつきませんでしたが、今初心者に教えるならこの『超省略フォーム』をおすすめします。 非常に簡単な押さえ方で理論的にも間違いがありません。 『F超省略フォーム』 2弦、3弦、4弦だけ押さえる方法です。 弦を3本しか使わないためアルペジオには無理がありますが、音の並びが下から「ファ・ラ・ド」と正しく並んでいるのでストロークではバランス良く聞こえます。 一本で足りなきゃ、二本使え! しかし省略形の通用しないコードもありました。 6本の弦のうち5本をバレーで押さえるんだから、省略もヘッタクレもあったもんじゃない。 でもこの鬼のようなコードもひょんなことから、すぐにマスターできました。 TVに写っていたギタリスト(今思えばサザンオールスターズの桑田佳祐だったように思う)の手もとを見ると下記の写真のような押さえ方をしているではあーりませんか! F mのフォーム 「そうか、1本でダメなら2本使え」とばかり試してみると意外に簡単に音が出る。 でもそのことが、『F』克服の重要なターニングポイントになりました…。 実は2本で押さえているからというよりも、指を2本重ねようとすると指を寝かさざるをえない。 つまり人指し指の 外側を使って押さえているのです。 これが大事なポイントだったんですねー。 まずはAのハイコードから! まだこの時点でもFは押さえられなかったのですが、ビートルズの曲を練習しているうちにAのハイコード(Fのフォームで5フレットのポジション)はなんとか音が出るようになってきました。 不思議とバレーコードは5フレ近辺が一番押さえ易いんですね。 理由はよくが分かりませんが…。 ギターにも原因がある! その後、徐々にですがFも音が出るようになってきて(ギターを始めて半年以上たっていましたが。 )エレキに持ち替えた時に完全にマスターできました。 エレキはアコギより弦が細く張りも弱いので押さえ易いのです。 ちょっと邪道かもしれませんが、僕はアコギ初心者の方にはエレキの弦を張ることをお勧めしています。 確かに太い弦の方が良い音がするんですが、弦にこだわるのは、ある程度弾けるようになってからでも遅くはないですよ。 それと最初に使っていたアコギが通販で8000円という安かろう悪かろうなギターでしたから確かに弾きにくかったというのもありますね。 ギターを買う時はできるだけ楽器屋さんで試奏させてもらってネックの握り具合を確かめましょう。 特に初めてのギターでは通販での購入は慎重にと思います。 参考: 一口にバレーコードといっても… 僕の場合、同じバレーコードでもフォームによって人指し指の位置が微妙に変わります。 例えば Fコードの時は第一関節が中央(3弦と4弦の間)ですが、Fmの時は5弦の上。 Bmの時は3弦の上にきています。 一口にバレーコードといってもフォームによって力を入れるポイントが違うので自分の押さえ易いポジションを探した方が良いかもですね。 それと人指し指一本で全弦押さえるような練習方法はやっても無駄ですね。 指はまっすぐじゃないので6弦すべて押さえるのは僕でも難しいです。 実際の演奏では6弦ともバレーで音を出すことはまずありません。 ストロークならなおさら目立つ音だけ出れば良いのです。 1、2弦さえ音が出れば6弦は出なくても気にならないものです。 基本は当然大事ですが演奏として成り立っているかの方が、もっと重要なのです。 最後に ギターを始められたばかりの方へ、僕からのメッセージです。 Fは確かに難関ですが、押さえられないからといってギターを投げ出すなんてナンセンス! 省略フォームでイイじゃない! 代理コードでイイじゃない! 弾けないフレーズはテキトーに作り替えれば良い。 もっと気楽におおらかに音楽を楽しみましょう。 僕の体験談で参考になりましたでしょうか? なにかヒントを掴めば突然出来るようになるということも多いものです。 楽しみながらがんばって下さい!.

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ギターコードの正しい押さえ方

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コンテンツ目次 []• コード進行からの曲作り:どんな人に向いてる? 作曲方法には「メロディから作る方法」、「歌詞から作る方法」、「コード進行から作る方法」、「すべて同時に作る方法」など様々な方法があります。 コード進行から作っていくタイプに向いているのは、• 作詞が苦手で、できれば後回しにしたい方• コード進行なら、なんとなく自分なりのものが作れる• 自分のオリジナルコードを作るのが好きだ• 曲のイントロから曲作りをしたい といった方です。 ですが、自分の得意な作曲スタイルを持つことは非常に大切で、「俺の曲作りはこのスタイルだ!」というひとつのテンプレートを持つことで、個性が際立ちます。 テンプレート(型)を持つことを嫌う人も居ますが、得意な方があるからこそ、違う型を使ってみた時に雰囲気を柄っと変えることができるんですね。 たとえば、「普段はオリジナル曲を歌詞から書いてます」というアーティストがコードから作った曲は随分印象が違うでしょう。 自分のスタイルを持っていれば、それを再構築することも壊すことも自在ですからね。 そういった意味で、自分の作曲スタイルを持つことをすすめます。 コード進行から作る弾き語り曲の作曲法 コード進行からの作曲手順• 1.キー(調性)を決める• 2.コード進行を決める• 3.リズムアレンジ• 4.コード進行に歌メロを付ける• 5.歌詞を乗せる コード進行からオリジナル曲を作る場合、やみくもにコードを並べても音楽的にならない可能性が高いです。 感覚だけで「このコードのあとにはこのコードが合う」「このコードで終わると、終わった感じがする」といったことを感じ取れるセンスのある方もいますが、そういう方は天才です。 ちょっとした知識を付けるだけで、感覚に頼らず理論的にコードのつながりを導き出せるようになります。 理論というと難しいイメージですので毛嫌いする方もいます。 しかし、感覚で作ったとしても結局理論で説明できる場合が多いので、知っていて損は無いでしょう。 一度理論の端っこの方に触れてみて、それでも自分には必要ないと思えば忘れればいいだけのことです。 知らずにアンチ理論派を気取るのはもったいない話です。 それでは、コードの流れを考える上で必要な知識を少しずつつけていきましょう。 1.キー(調性)を決める 楽曲にはキー(調性)があります。 聞いたことはわかるけど意味が分からない方はおさらいしてみましょう。 コードを好きなように弾いていって、自然とキーが短調になったとか、調べたら長調だった、ということでも良いのですが、キーがわかっていると、使えるコードが先に分かるので、作曲時に余計な手間がかかりません。 メジャースケール(長調): 明るい感じの音階。 わかりやすい音階はドレミファソラシド。 ドは英語表記でCです。 ド=Cから始まるメジャースケールなのでドレミファソラシドは正式にはCメジャースケールと言います。 D=レから始まるメジャースケールならばDメジャースケールです。 マイナースケールは厳密にはナチュラルマイナースケール、ハーモニックマイナースケール、メロディックマイナースケールの3つがありますが、ポップスやロックのような現代音楽で使われるマイナースケールはナチュラルマイナースケールがほとんどのため、マイナースケール=ナチュラルマイナースケールとして解説しています。 メジャーかマイナーか決めずに走り出すのも曲作りに置いてひとつのキッカケです。 たまたま弾いてみたコードの響きが気に入って、そのコードからどんな風に広げていこうか・・・という曲の始まりも、実際には結構あります。 コード進行もメロディも上がるか下がるか続けるかしかありません。 要はどれくらい上がるか(下がるか)でメジャーかマイナーか決まるだけの話なので、あまり難しく考える必要はありませんよ! キー(調性)の必要性を説明したのには理由があります。 曲作りに慣れてくると、「悲しい曲を作りたい」「失恋ソングの制作依頼を受けた」などで、曲の方向性が決まっている場合があります。 こんな場合には、キー(調性)が決まっていると、どんなコードを繋いでいけば意図している楽曲の雰囲気を出せるのかわかりやすいからです。 今は難しくても、「曲にはキーがあり、事前に決められる」という感覚で覚えておけば十分でしょう。 2.コード進行を決める 次は、何はともあれコード進行です。 イントロから作っても良いですし、印象的なコード進行がパッと思いついたなら、それをサビに使っても良いでしょう。 ちなみに僕はイントロから作り始めることが圧倒的に多いです。 イントロから作ると、曲が出来た時に最初から最後までの一貫性が保てますし、イントロを後で作るとなかなか雰囲気に合ったイントロをつけにくいからです。 この辺は人によって違うでしょうね。 コード進行は、最初は知っているコードしか使えませんので非常にありふれた単調なものになると思います。 3つのコードで曲が作れる「3(スリー)コード」と言われる考え方もありますが、コード進行にも若干のオリジナリティを入れていかないと、誰かが既に作って歌っているような曲になります。 楽曲はコード進行よりもメロディの方が重要視されていますが、それでもコード進行が他人の楽曲と似てくると、出てくるメロディも似てしまいがちですので注意したいところです。 キー(調性)の解説で、「キーがわかると使えるコードがわかる」と書きました。 これは ダイアトニックコードと呼ばれる考え方によるものです。 ダイアトニックコードを詳しく解説し出すと、かなり理論的な話をしなくてはなりませんので、そういう考え方があるとだけ理解してください。 詳しく知りたい方は検索していただければと思います。 もちろん、これは絶対ではありません。 王道のコードの話です。 「キーがCメジャーと言ったら、このコード中のコードを使って入れば変なコード進行になりにくいよ」というコードが ダイアトニックコードです。 このCメジャースケールにおけるダイアトニックコードをどんな風に並べていくか、また、ダイアトニックコード外のコードをどんなタイミングで使うか、そして、どんなビートやリズムで演奏していくかが作曲者の個性でありセンスです。 CメジャーのダイアトニックはCで始めなきゃ、という決まりはありません。 Dmで初めても良いですし、Amで初めても良いのです。 メジャースケールにダイアトニックコードがあるように、マイナースケールにもダイアトニックコードがあります。 僕自身はこの覚え方で全く覚えていませんけどね。 覚えられないです(笑 曲を作りたいだけなのに、なんでこんな難しいことを覚えなきゃいけないんだ!!と思ってるでしょ?その気持ちよくわかります。 僕もギターの専門学校に行くまでは、理論なんて必要ない派でしたから。 しかし、やみくもに、合いそうなコードを片っ端から弾いていくよりは、ダイアトニックコードの中から拾う方がコード進行を作り上げるスピードが圧倒的に速いです。 効率のための理論なんですね。 個性的なコード進行を目指すなら、このダイアトニックを中心に、ハッとするようなコードを入れられると良いのですが、これもなかなか難しい。 作曲初心者のうちは、あまり突拍子もないことはせず、自分の感性が育ってからそういったことにチャレンジすればよいでしょう。 まずは、お客さんがあなたの曲を聞いて「聞きやすい」という範疇から出てしまわないことを目指します。 せっかくあなたの声や歌詞は気に入ってくれても、曲が馴染めないという理由でファンになり切れないということになってしまいますからね。 「聞きやすい・馴染みやすい・共感しやすい」ということは非常に大切です。 3.リズムアレンジ コード進行を考えるにあたって、弾き方も一緒に考える場合が多いです。 弾き方を考えるうえで、以下の要素が重要になります。 拍子(ひょうし)• 拍(はく)• リズム• テンポ 厳密にはリズムや拍子は別々のことを指すのですが、一般的にはこれらをひっくるめて リズムアレンジなどと呼ばれます。 最初はとりあえず、弾きやすいストロークやアルペジオで作っておくと良いのですが、そのままではありふれてると感じた時には、拍子やリズムを変えてみると上手くハマることがあります。 それぞれの言葉の意味をおさらいしておきましょう。 テンポは速さのことです。 リズムと混同しないようにしましょう。 弾き語りにおいてはテンポとリズム、両方のキープが「上手く見えるコツ」です。 楽曲の印象をガラっと変えるには拍子を変えてしまう方法が有効です。 4拍子を3拍子に変えるという方法です。 (もちろん逆もあり)メロディや歌詞が付いた後でこれをやると、メロディの譜割りが変わって非常に難易度が高くなります。 コード進行を吟味している段階か歌メロを考えている段階で試してみましょう! リズムアレンジについては、いろんなアプローチがあります。 ただ、たくさんのリズムを知っていないとそもそもリズムを変えることができません。 そこでおすすめの方法は、好きなアーティストの音源を聞いて、「その曲のリズムで自分の曲を弾いてみる」ことです。 この方法ならばたくさんのリズムを知らなくてもできますし、お手本がそこにあります。 ターゲットの曲やアーティストを変えてみることで、自分の曲にもリズム的に幅が広がりますのでぜひお試しください。 4.コード進行に歌メロを付ける コード進行とリズムがある程度決まったら、いよいよ歌のメロディを作っていきます。 このときに大切なことは、「ギターを弾きながら歌メロディを作ること」です。 歌メロはリズムに引っ張られることになります。 単調な曲だと思っていたコード進行も、リズムアレンジが上手くハマると、歌メロディも面白い印象的な物が思い浮かんだりします。 歌メロ作成に入る前に、どんなリズムで楽曲を作っていくのかはしっかり練っておいた方が良いでしょう。 歌メロディは実際、センスによるところが大きいというのが僕の実感です。 ここは理論などに頼るより、自分で苦しんで納得のいくメロディが湧いてくるまで何度でも作り直しましょう。 曲作りのひとつの山場ですが頑張りましょう、ファイト!! 5.歌詞を乗せる メロディが出来上がったら、最後に歌詞です。 歌メロを作る段階で歌詞も一緒に浮かぶ人も居るかもしれません。 歌詞に一番苦しむ僕にとってはうらやましい限りです。 先にあるメロディに歌詞を乗せるのは至難の業です。 あなたが伝えたいことを、伝わるようにメロディをあまり変えずに言葉を当てはめる作業は気が遠くなります。 詩を書くことが得意な人でさえ、ここからは苦しむのですよね。 日本語は表現力豊かな言語ですから、ひとつのことを表現するのに、言い回しが無数にあります。 これが日本語で歌う魅力ですし、あなたの言葉選びのセンスが光るところです。 だからこそ苦しむのですが。 簡単な言葉をただ繋げただけの歌詞は、多くの人の胸に刺さることはありませんので、悩みぬいて、苦しみぬいて書いていくのがこの工程ですね。 作詞は僕自身苦手な工程ですので、あまり大きなことは言えませんが、「歌詞カードを見なくても聞いただけでわかる歌詞」が理想かと思います。 変な個所で歌詞を切ったり、サビだけ英語で歌われても、分かる人にしかわかりません。 初めてあなたの曲を聞く人なら尚更??でしょう。 「本当にあなたが伝えたいことが伝わるのか」ということを念頭において作詞してみてはどうでしょうか。 参考:60曲程作ってきた僕の作曲工程 参考になるかわかりませんが、僕の作詞工程を少し紹介してみます。 あまり多作な方じゃなありませんが、自分の愛すべきオリジナル曲たちがどのように生まれてきたのか解説したいと思います。 僕はコード進行~歌メロが完成した時点から作詞を始めて、メロディに歌詞を乗せていく作り方でほとんどの曲を書いています。 言いたいことが無いので、作詞からは作れないのです。 言いたいことが無いというのはアーティストとして致命的ですが、主張はあります 笑 歌に乗せてあえて言いたいことが無い、という意味です。 ですので、歌メロができた時点でもその楽曲のテーマはなにもありません。 あるのはただ、楽曲の持つ雰囲気のみ。 この雰囲気から最初の言葉が出てくるのまでひたすらギターを弾き、鼻歌で歌い続ける、という作業をします。 そうすると、ポツポツと言葉がにじみ出てきます。 その言葉から楽曲の方向性(テーマのようなもの)が決まり、じゃあこの曲で言いたいことはこれだね!とサビに一番印象的な言葉を持ってきます。 こんな感じで、僕の曲作りはいつでも「天の声が聞こえるのをひたすら待っている」状態です。 非常に効率が悪いのですが、自分で納得できない歌詞は世に出せないので、仕方ないですね^^; 作詞に置いてのアドバイスですが、「歌を聞いただけで情景(背景)が想像できる」のが理想です。 あなたしかわからない状況を歌っても誰も共感してくれません。 中学生の作文(失礼!)のような詩にならないよう、あなたの知っている日本語を上手に使って、情景を美しく業者してください。 そういった曲はかならず人を惹きつけます。 メロディが良ければ尚のこと!! また、難しい言葉を使いたがる人がいますが、辞書を引かないとわからない言葉をつかうのはやはりもったいないなと思います。 人は、歌を聞いているときに知らない言葉を歌われると、その言葉が気になります。 せっかく歌全体で良いことを歌っていても、気になるワードが頭に残って印象が悪くなります。 僕はできるだけ一般的な言い回しや言葉を使いつつ、その中でも言葉選びに個性を出すよう心がけています。 まとめ 曲作りのポイントは簡単に説明できませんので長い記事になってしまいました。 ちょっと理論的な内容を含んだ解説になりましたが、読んでみて「俺には必要ねぇなー」と思ったら忘れれば良いだけのことです。 ですが、少しでも作曲の助けになりそうだと思ったら、何度も読み返してじっくり取り組んでみましょう。 弾き語りアーティストで理論に長けた人はほとんどいないと思います。 まったく理論的な事を知らずに感覚だけで曲作りをしているアーティストばかりでしょう。 ガチガチに理論武装する必要はありません。 必要な時に必要な分だけ、必要な部分を選べば良いので、あまり理論だとか理論じゃ無いとかは気にしているだけ時間の無駄。 そんなことよりせっせと曲作り曲作り(笑 当記事が少しでもあなたの曲作りのお手伝いが出来れば幸いです。 ライブMCの悩みを解決してくれます。 ライブミュージシャン必読書。 こういう影の努力がファンを増やしていきます。 2~3時間でサクっと読めるので、ライブの待ち時間などに最適です。 DTMにおけるプロのエフェクトのかけ方から、ミックスの勘所まで。 音源連動の書籍となっており、実際のプロの仕事を確認できます。 我流MIXでハマる前に読んでおきたい1冊です。 自分の楽曲に「ちょっとジャジーなテイストを入れてみたいな」というときの入門編としてピッタリです。 反面、コードの押さえ方は初心者には高難度。 音楽活動向けの書籍ではありませんが、これからの時代のローカルな音楽活動には必ず必要になってくる「固定ファンを作る」という考え方です。 当Blogイチオチ!!.

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